ATLAS/REMIX: « Créer peut donner du sens à la vie »

Nous sommes onze. Onze artistes venus d’horizons divers: le théâtre, la danse, le cirque, l’image, la philosophie, le son… Onze artistes investis dans l’animation d’ateliers pour enfants et adolescents. Onze artistes qui, pendant une année, ont mélangé leurs pratiques et imaginé ensemble les outils d’ATLAS/REMIX, le nouveau projet transdisciplinaire d’ITHAC. Rencontre avec cinq de mes condisciples: Catherine Pineur (livre jeunesse), Adèle Cooken (théâtre), Sandra Nazé (chant), Lisa Da Boit (danse) et Gregor Beck (son).

Propos recueillis par Régis Duqué, auteur et metteur en scène

Régis Duqué: Qu’est-ce qui vous a attirés dans le nouveau projet transdisciplinaire d’ITHAC? Pourquoi avoir dit «oui»?

Gregor Beck: Ce que j’ai aimé dans la proposition d’ITHAC, c’est cette démarche qui consiste à rencontrer d’autres gens et d’autres disciplines, mais aussi de pouvoir tester nos propositions avec les adolescents. Dès notre premier atelier, nous avons dit aux jeunes qu’ils allaient être des «cobayes actifs», que nous attendions des retours de leur part, que ce que nous leur proposions n’était pas quelque chose de fini.

Lisa Da Boit: Dans la danse, je suis tout le temps confrontée à d’autres disciplines : la musique et le théâtre, bien sûr, mais aussi, de plus en plus, les arts plastiques, le chant, l’installation… Une œuvre de danse pure, c’est devenu très rare aujourd’hui. Or, en tant que danseuse, je me rends compte que, dans ma pratique, il y a des choses qui sont évidentes pour moi mais qui, en fait, ne le sont pas pour les autres. L’expérience de cette année avec ITHAC m’aura permis de m’interroger et de théoriser cette pratique.

Adèle Cooken: Dans ma pratique théâtrale également, la transdisciplinarité est très présente depuis longtemps. Ce qui m’intéressait, c’était de voir comment cette dynamique propre à la création contemporaine pouvait rencontrer des publics qui ont des visions peut-être plus conventionnelles des disciplines. L’enjeu est là: bousculer les représentations.

Justement, les propositions d’ATLAS/REMIX s’éloignent en grande partie de la dimension théâtrale qui était jusqu’ici attachée à l’identité d’ITHAC. Comment les jeunes et ceux qui les encadrent réagissent-ils?

Gregor: Lorsqu’Amélie Kestermans et moi-même sommes venus dans la classe avec notre proposition d’atelier sons et images, la professeure nous a dit: «Ah mais moi, mon cours, c’est un cours de théâtre!» Elle s’attendait effectivement à quelque chose de plus théâtral.

Sandra Nazé: Je me demande dans quelle mesure il ne faudrait pas redéfinir ce qu’est le théâtre. Aujourd’hui, ce n’est plus seulement un rideau rouge avec des acteurs qui disent du texte. Et si effectivement l’atelier de Gregor et Amélie s’éloigne de la forme spectacle, il y est quand même question de dramaturgie, de narration, d’histoire, de sens…

Adèle: Ça pose la question de la manière dont on veut partager les choses avec un public. Une salle de spectacle, par exemple, comment l’utiliset- on? Et si on mettait le public sur la scène? Et si on le faisait déambuler comme dans un musée? Et s’il n’y avait pas de comédiens dans l’espace? Si on faisait juste entendre du son? Le partage d’une œuvre peut prendre des formes très différentes. Et cette question-là est aussi vaste que la question de la multidisciplinarité. Ce que Gregor et Amélie proposent dans leur atelier, par exemple, pourrait tout à fait devenir la scénographie d’un spectacle: par l’image et le son, on pourrait faire entrer le spectateur dans l’univers intime d’un personnage incarné par un acteur sur scène.

Sandra: Du coup, croiser deux disciplines pourrait ne pas se révéler suffisant – il en faudrait trois ou quatre!

Gregor: L’idée n’est pas de fournir un outil clé sur porte. Le récit de nos expériences, sous forme de fiches, est destiné à ouvrir les imaginaires. J’espère que les professeurs s’approprieront nos propositions de manière autonome.

Adèle: Comment donner aux enseignants suffisamment de confiance pour qu’ils aient l’audace de s’approprier nos consignes? C’est l’enjeu.

Catherine Pineur: J’ai le sentiment que nous avons ouvert une porte et qu’ils sont dans le vestibule.

Avec le réalisateur Gaëtan D’Agostino, notre atelier croisait cinéma et écriture. À l’invitation d’ITHAC, nous avons rédigé une fiche qui résultait de notre expérience, pour qu’elle puisse trouver écho chez d’autres. Nous avons choisi de décrire l’expérience que nous avons vécue, Gaëtan D’Agostino et moi, et de suggérer d’autres manières de faire, en fonction du temps disponible, du contexte de l’atelier, du profil des participants…

Lisa: L’expérience de l’atelier, comme la création artistique, se vit dans l’instant. Notre atelier est le reflet de ce qui s’est passé à un moment donné – avec le fait que parfois on était en forme, parfois on ne l’était pas, qu’on a dû interrompre l’atelier pendant deux semaines parce que le professeur était absent, etc. Et puis le public détermine le mode d’action. Dans l’atelier danse-théâtre que Giuseppe Lonobile et moi-même avons mené, par exemple, nous avons été confrontés à une classe assez dynamique, qui allait parfois plus loin que nos propositions, empruntant des chemins que nous n’avions pas forcément imaginés. C’est pour ça que cette expérience-là, nous ne pouvions pas la généraliser.

Au fil des rencontres du collectif, puis du travail auprès des jeunes, avez-vous senti que quelque chose de commun reliait vos différentes pratiques?

Lisa: Que l’on fasse du théâtre, de la danse, du dessin, que l’on chipote avec du papier, que l’on écrive trois mots en enfilade ou que l’on bouge son corps, je pense qu’on peut tous se mettre d’accord sur le fait que c’est du jeu. Nous avons tendance à perdre cette notion de jouer, de s’amuser, de bricoler. Il faut retrouver ce plaisir-là. Et plus nous avons d’ingrédients différents à notre disposition, plus ça peut être amusant.

Ce qui est intéressant lorsqu’on multiplie les «ingrédients» comme tu dis, lorsqu’on diversifie les outils, c’est que nos propositions permettront peut-être aux adolescents de trouver plus facilement, avec davantage de souplesse, leur place dans le projet – là où, dans un atelier-théâtre classique, généralement, tout le monde est obligé de jouer un rôle sur la scène.

Sandra: Dans ma fiche personnelle, je dis: «Dans un projet chant, tout le monde peut trouver sa place parce que, oui, il y a le chant, mais il peut y avoir aussi la technique, un micro, une table de mixage à gérer…» Tous les élèves n’ont pas forcément envie de chanter – ce n’est pas un plaisir évident pour tous. Avec les différentes disciplines, effectivement, chaque élève, chaque personnalité, peut trouver sa place.

Gregor: Après, c’est bien aussi de sortir les jeunes de leur zone de confort.

Adèle: La pratique artistique fonctionne mieux quand les élèves sont à l’initiative des choses. En fait, j’ai tendance à penser que tout apprentissage – et c’est vrai pour toute expérience de vie – fonctionne mieux quand on est mû par son propre désir. Or, la dynamique scolaire fait que les élèves sont plutôt dans une posture inversée: ils doivent accepter de se soumettre à un programme qu’on a déterminé pour eux. J’espère que ce projet ne sera pas une injonction de plus. Ce que je voudrais leur dire, c’est: «Même si vous vous sentez un peu crispés parce qu’on vous oblige à faire quelque chose qui ne correspond pas du tout à votre cursus scolaire, nous, dans nos expériences personnelles, nous savons à quel point pratiquer une discipline artistique nous a nourris. Nous savons que cela peut même donner du sens à la vie. Alors si vous vous sentez de temps en temps mal en milieu scolaire parce que vous avez l’impression de ne pas être maître des choses, là, vous aurez une occasion de l’être. Donc: allez-y! Vous verrez, c’est chouette.»

Est-ce que le fait de concevoir un atelier avec un autre artiste a modifié quelque chose dans votre pratique personnelle ? Est-ce que vous avez l’impression que cela vous a déplacé?

Sandra: Je ne dis pas que le travail que j’ai mené avec Adèle cette année a fondamentalement changé ma pratique – finalement nous nous rejoignons sur bien des points. Mais dans la façon qu’elle a d’amener les élèves vers un sujet, j’ai découvert un autre processus que le mien – un processus moins directif. Elle arrive à créer un questionnement qui leur permet de s’approprier le projet, de choisir leur chemin, leurs outils, sans que cela ne leur semble imposé. Dans ma pratique d’atelier, à l’avenir, je pense que j’essayerai d’aller moins directement au but.

Adèle: Ce qui m’a marqué, chez Sandra, c’est la manière dont, dans sa pratique du chant, elle rentre en contact physique avec les élèves. Le simple fait de les faire chanter toutes proches les unes des autres les amenait également à créer du contact entre elles. C’est quelque chose que j’ai perdu très consciemment avec le COVID ou la question du consentement. Aujourd’hui j’aurais envie – mais je n’ose pas encore – de me ressaisir de ça. Toucher quelqu’un, l’accompagner, c’est tellement important en fait. Je ne dis pas qu’il faut retourner à des pratiques où l’on s’en foutait et où effectivement ça pouvait malmener les gens. Mais dans la manière qu’a Sandra de le faire, on sent que c’est très respectueux et pas du tout intrusif.

Lisa: Nous vivons dans un monde où l’apprentissage passe beaucoup par le cerveau, l’explication – quand tu dois expliquer un exercice, tu dois l’expliquer avec des mots. Le fait, avec Giuseppe, de m’être confrontée au théâtre, que je trouve encore plus intellectuel que la danse, m’a amené à m’interroger: «Comment pourrait-on éviter cette question de l’intellect dans un apprentissage?» On peut apprendre en regardant mais aussi en pratiquant avec quelqu’un qui nous entoure. Pour l’apprentissage de certaines danses en Inde, le professeur accompagne physiquement le corps de l’élève. Parfois j’ai juste envie qu’on se lance dans l’expérience – et puis on verra bien.

Catherine: Ce qui m’a marquée dans l’atelier cirque et arts plastiques que j’ai mené avec Mille Engberg Lundt, c’est l’apport du mouvement dans la pratique du dessin. Le résultat est complètement différent grâce au travail préalable du corps. Comme nous intervenions au sein d’un atelier-théâtre, les élèves avaient l’habitude de la parole, du mouvement, mais pas du dessin. Nous avons cherché à les emmener dans cet univers-là de façon à ce qu’ils soient dans le lâcher-prise. C’était très touchant de voir la manière dont ces adolescents ont joué le jeu. Certains m’ont dit qu’ils s’étaient sentis reconnectés à leur enfance.

Adèle: Ce que j’ai envie de souligner, c’est que ça a été une joie de rencontrer Sandra. Quand, au premier coup de fil, tu réalises que les mêmes œuvres ont marqué nos vies, qu’au-delà du cadre artistique et professionnel, nous sommes comme connectées à des choses essentielles et existentielles, c’est précieux, c’est joyeux, c’est vibrant. Et puis nous partons à la rencontre des élèves et là on prend conscience de cette sorte de non-vibration qui peut traverser l’institution scolaire – mais qui peut traverser, en fait, toute la société dans laquelle on vit. Et ça c’est interpelant. Comment fait-on pour remettre du vivant? L’enjeu est hyper important et la tâche n’est pas simple. Mais j’ai l’impression que c’est pour ça que l’on fait de l’art.

Sandra: J’ai eu cette sensation, au sein du collectif d’ATLAS/REMIX, que si nous étions heureux de nous retrouver lors de ces réunions, c’est parce que, justement, il y avait cette vibration entre nous. Que nous étions tous dans cette même démarche de remettre de la joie dans ce que l’on partage avec les jeunes et les enseignants.

Le collectif artistique d’ATLAS/REMIX est composé de :
Gilles Abel (philosophe),
Gregor Beck (créateur sonore),
Adèle Cooken (actrice et metteure en scène),
Lisa Da Boit (danseuse et chorégraphe),
Gaëtan D’Agostino (metteur en scène et réalisateur),
Régis Duqué (auteur et metteur en scène),
Amélie Kestermans (photographe et vidéaste),
Mille Engberg Lundt (circassienne et metteure en scène)
Giuseppe Lonobile (auteur et metteur en scène),
Sandra Nazé (chanteuse lyrique) et
Catherine Pineur (autrice-illustratrice),
accompagné·es par l’équipe d’ITHAC.